martes, 30 de junio de 2009

Imagen temática



Esta imagen es del proyecto ¿Cuanto vale una “luca”?...

Al ser este una fotografía de montaje, es claro y evidente, el lenguaje articulado y escrito. Podemos leer sin dificultad, “mil pesos”, podemos deducir la palabra “banco central” y “chile” y en el papelillo divisamos ciertas letras que se asumen como la marca del producto.
Al haber elegido el hecho de que se pudieran leer, estas palabras, el montaje, nos quita la posibilidad de descodificación lenta y de una interpretación subjetiva, ya que queda claro que se trata de un billete de mil pesos triturado. Ahora bien el contexto en el cual se deposita, dichos restos de papel (el papelillo) es lo que le da la fuerza ala imagen, para una decodificaron y la posterior interpretación. Ahora bien, ¿esto necesariamente convertiría a esta imagen en una imagen simbólica? Creo que no, ya que la interpretación de esta imagen se explica por lo explicito del texto, ya que este es el que globaliza la metáfora, dotando a la imagen, una imagen transversal y de esta forma provocar el posible entendimiento en otro país distinto a Chile.

Esta imagen no tiene un fondo, por lo tanto es posible contextualizar al espectador, para de esta forma se pueda situar en un ambiente, situación, lugar, etc., sin embargo si podemos saber o más bien aproximar, la época en que podría caber sido esta imagen… habría que sin embargo, investigar, hace cuanto esta en circulación el billete de mil pesos en chile, para así cumplir esa aproximación. De esta forma el texto en la imagen cumple una función de fondo y seria el contextualizador n la imagen. Ahora bien las dos manos que salen en la imagen, le estarían dando el toque de humanidad a la imagen, ya que sin podernos situar en un espacio, podemos contar con la presencia de vida humana.
El plano de la foto responde a una visión subjetiva, lo que vería un consumidor al preparar su cigarrillo de marihuana. Esto le da a la imagen un carácter más íntimo y una doble funcionalidad. La persona que consume o a consumido, o más bien a fabricado un “pito” se sentirá identificada, sin embargo la persona que no lo ha visto y no lo ha hecho nunca, no podrá entender el código, que estaría siendo connotado por la posición de las manos y por la vista del plano fotográfico.

Es claro el poder proyectivo de esta imagen, ya que tiene muchos sentidos denotado. Al imitar a la imagen de publicidad, esta imagen impide que los sentidos se desorienten, ya que su función es clara y precisa. Si en la publicidad la imagen busca impactar para vender, aquí la imagen impacta, para significar o dar a entender una metáfora, que se refiere al valor de un producto, que por muy ilegal que sea, se transa en el mercado y se consume. Aquí en ésta imagen, no es necesario una función de relevo, ya que esta solo redundaría en lo mismo, llenado la imagen de información innecesaria.

Es obvio, que en esta imagen, no encontramos con elementos que aluden al conocimiento de la realidad cultural, existiendo un gran numero de receptores que sin ningún problema entenderán el mensaje. El billete de mil pesos, y el papelillo de marihuana serán comprendidos rápidamente por el espectador. Claro el billete de mil pesos hecho pedazos, para un chileno estaría claro y no seria necesario el Mensaje icónico literal, pero es aquí donde el autor asume el hecho y decide incorporar un elemento visual perceptivo literal, para la hacer más fácil comprensión.

Por lo tanto esta imagen pasaría primero por una etapa de denotación e identificación, que seria la lectura de primer nivel, para luego después pasar a la segunda lectura. En la que habría una connotación y una interpretación simbólica en la que lógicamente entrarían en juego el bagaje cultural de la persona o receptor.



Es claro de que esta imagen es o pretende ser temática. Ahora se encuentra con el problema de la interpretación subjetiva del receptor, sin embargo es claro que apunta al menos a tres temas. El primero y el más evidente, apunta al precio universal en Chile de un “pito” de marihuana. El segundo apunta al consumo y a la visión que tiene un consumidor y el tercero apunta a los distintos usos que le puedes dar a un billete de mil pesos en Arica, Chile. Este último punto, solo se entiende y comprende al ver las otras imágenes de la exposición, por lo que no es un tema que se infiera por esta imagen por si sola. Ahora bien esta imagen temática, al estar rodeada de las demás imágenes de la muestra, cobra más fuerza y mas sentido, ya que estas te conducen, a un viaje de probabilidades, en el supuesto de que tienes solo un billete de mil pesos, lo que te alcanzaría para… Ahora, creo que esta imagen es temática por si sola, ya que brilla por si misma, a diferencia de otras imágenes que necesitan de las otras para cobrar sentido. Esta es la razón por la que la elegí, ya que al menos contiene dos temas por si sola.


Esta claro que el papelillo, es un objeto y cumple su función como tal, el que a veces por falta o ausencia es remplazado por diversos tipos de papeles, siendo muy popular entre los consumidores, usar hojas de la Biblia, en fin como no puede haber un objeto que no cumple ninguna función, me detengo aquí.

Ciertamente nos encontramos, con dos objetos sumamente ordinarios, el primero que es el billete de mil pesos, el cual debe al menos por una vez pasando por la manos de todos los chilenos mayores de seis, años y el otro el papelillo, que de hecho, sirve para los consumidores de tabaco, dicho sea de paso existen gran variedad, en colores y sabores, pero en esta imagen se eligió el común y corriente, para permitir vía el cliché y la popularidad su fácil identificación. Siendo entonces muy importante el esteriotipo y el marco teórico conceptual para lograr la comprensión exitosa de la imagen.

La coordenada simbólica de este objeto, lo representa claramente el billete de mil pesos, (del que a priori se puede hacer una interpretación profunda y metafórica) destrozado puesto en un papelillo como si fuera marihuana.
La coordenada de clasificación, seria aun más clara, billete de mil pesos chileno equivalente a casi dos dólares americanos, papelillo de marihuana, sin sabor de papel de arroz, que en algunas tiendas del país venden a treinta o veinte pesos por unidad y cuya caja se vende generalmente en quinientos pesos chilenos.

sábado, 27 de junio de 2009

Michael Jackson: ¿Héroe o Villano?


Fué a mediados de los sesenta cuando el padre de Michael Jackson, un músico aficionado que lo único que tenía era una guitarra eléctrica decidiera armar una banda musical con sus cinco hijos varones, su trabajo como operario de grúa en una fábrica de fundición de metal no le alcanzaba para mantener a su numerosa familia. Fué entonces cuando su esposa se fijó en el gran talento del menor de sus hijos; el pequeño Michael de solo cinco años de edad. Su prodigiosa voz y su talento innato para bailar despejaron cualquier duda e inmediatamente lo instalaron en el lucrativo proyecto que aseguraría la vida de la familia Jackson.

The Jackson Five, un grupo que mezclaba el Rhythm & Blues, Disco y Dance, lograron varios singles, muchas actuaciones en televisión e invitaciones a los programas más exitosos de la television norteamericana de la época. Pero Michael tenía otros planes e inició una carrera solista que en pocos años lo llevaría al exito y a la consagración mundial.

La noche del 25 de Marzo de 1983, Jackson estrenó el "paso lunar", el que habia inventado en la cocina, que cambió para siempre la historia de la música popular. Y claro, todos quedaron boquiabiertos. Michael entendió antes que nadie que no bastaban los sencillios en las radios y con las fotos promocionales. Las posibilidades del escenario eran infinitas y habia que preocuparse de todo: las canciones y las coreografías, el vestuario y las luces.

Un veintiañero Michael había tocado el cielo gracias a su talento, el más pequeño del clan Jackson había "matado" imaginariamente a su padre, el que lo había fustigado brutalmente desde niño para que aprendiera las lecciones de los numeros artísticos que debia realizar a la perfección, para convertirse en un artista. Con su vestimenta ridícula, tuvo a varios frente al espejo ensayando el pasito para atras, el de la "caminata lunar".

Ni él mismo se habría imaginado ni en el mejor de sus sueños la fama y el reconocimiento que alcanzó tan rápidamente, fué el primer artista en obtener dos estrellas en el paseo de la fama de Hollywood, aparte de las relaciones sociales con los personajes más importantes de EE.UU., desde el presidente hasta productores musicales y de cine, como su gran amigo Steven Spielverg.

Pero este tan amado e idolatrado artista, escondía uno de sus más grandes secretos, ese de que le gustaba llevarse a niños a vivir con él a su mansión y meterlos entre sus sábanas, a Neverland. A ese lugar "mágico", al cual sólamente él y sus pequeños invitados tenían acceso, "la tierra del nunca jamás", esa en donde ninguno de sus amigos "jamás crecería", como si gozaran de una infancia perpétua y en la que él, se negaba a ser un adulto y volvía a ser, en su retorcida mente, un niño más.

Los últimos años Jackson no estuvo en la palestra de los medios por sus logros artísticos. Sino por su bizarra vida, hizo más noticia por sus problemas judiciales ligados a la pedofilia, por sus monstruosas cirugías las cuales lo hicieron lucir como un zombie más de su clásico video "Thriller" y por sus problemas económicos. Claro que eran problemas ajustados a su distorsionada realidad, ya que pagaba como arriendo en su mansion de Los Angeles, en dinero local, sobre los $ 50.000.000, fuera de los gastos de la médicos y de la servidumbre. Esa era una de las razones por las cuales deseaba con tantas ganas volver a los escenarios y recuperar el trono y la corona que había abandonado, para volver a ser el rey del pop, pero lamentablemente, su corazón de niño, no lo dejó y se detuvo para siempre.

miércoles, 24 de junio de 2009

Estructura dramática de Pulp Fiction



En Pulp Fiction se usa un método bastante novedoso para el cine comercial holywodense, ya que se utiliza un plan dramático circulado mezclado con historias paralelas desordenadas cronológicamente que a veces se entrelazan. Como recordaremos la película empieza con la escena del planeamiento del asalto entre Honey Bunny y Pumpkin terminando abruptamente en un corte cuando Pumpkin anuncia que lo del asalto con una frase (que al volver ya en el final de la película no es exactamente igual) que dice algo así como: “si algún capullo culiado se mueve, ejecutaré hasta al último hijo de puta de ustedes”. Al volver al mismo plano que es exactamente igual dice algo más parecido a esto: “si algún capullo culiado se mueve, los ejecutaré a todos ustedes, hijos de puta!”… Aquí la película vuelve al inicio descontinuado y continúa haciendo lo que haría cualquier film cronológico. Lo interesante es el Juego intencional que hace desde el guión, ya que si bien el sentido de la frase es el mismo, no está dicho de forma igual, por lo que esta escena se filmó dos veces, ya que en el montaje se pudo haber utilizado la copia exacta de la escena que se usó al principio. Esto es muy interesante y sobre todo por que viene desde el guión, lo que me lleva a pensar de que si uno está contando una historia y después viaja cronológicamente a otro punto de esta, al dejar inconclusa la primera parte y después retomarla, esta ya no se contará exactamente igual en lo formal pero si continuará el mismo sentido y fondo.

Otro aspecto a destacar de esta película son las continuas citas a personajes y épocas, como también a distintos tipos de cine de acción y películas de menos presupuesto. Esto hace que los diálogos estén perfectamente ubicados y sean estos también el hilo conductor de la película ayudando al plan dramático y a la progresión de este. Es muy gratificante repasar los textos o diálogos de Pulp Fiction, ya que están muy bien trabajados, habiendo muchos que se hicieron célebres como el caso del dialogo del cuarto de libra, el monólogo de la historia del reloj, etc. Ahora lo destacable es que esta película no depende exclusivamente de la acción y los disparos, ya que los personajes son externamente esteriotipados, sin embargo sus pensamientos son los de cualquier mortal, dotando esto a los personajes de ricas y complejas estructuras que aportan tanto a la historia como al análisis posterior más psicológico.


Jules y Vincent son dos sicarios que sirven y trabajan para Wallace quien debe ausentarse, encomendando a Vincent que cuide a Mia, su atractiva y hermosa novia. Compromiso, bastante difícil ya que el anterior hombre contratado para esa misión fue muerto por el mismo Wallace. Vincent quiere y pretende hacer su trabajo rápida y eficazmente, pero Mia manipuladora de forma persistente, insiste en salir a cenar juntos, donde desatan su talento bailando de forma improvisada. Cuando finalmente llegan a casa, la linda mujer sufre una terrible sobredosis de heroína y Vincent tiene que acudir a un amigo (el proveedor) para que lo ayude a solucionar el grave problema.
En este complejo escenario o situación, Tarantino diseña y crea una compleja serie de situaciones que narra de forma episódica donde hay personajes como: Un boxeador fracasado, un narcotraficante histriónico, un retrasado metal, homosexuales sadistas, y un sinnúmero de personajes que interactúan provocando una novedosa amalgama de situaciones con destino a un final poco predecible.

Está película creo que es una clara muestra del cine actual, del cine post-moderno, ya que se replante las variantes narrativas y le entrega bastantes herramientas de interpretación al actor. Además siempre está mezclando culturas, épocas, cultura global televisada en donde no existe un personaje principal (Pasando a ser más una historia coral), como la ruptura de arquetipos y el uso de la ironía como reconstrucción del melodrama y el apelar a la memoria cultural, pero cultural del devenir de las mezclas y la alusión a dichos elementos. Por ejemplo el hablar de la comida rápida, comerla y utilizarla como elemento de castigo. Otro ejemplo es el uso de la música y secuencias musicales, que van desde citas a películas de baile como al video clip. Ahora en lo que no fue para nada rupturista don Quentin, fue en el elegir el tipo de música y también en el increíble casting, que es literalmente una constelación de estrellas, además de que son rostros, son todos ellos actores de elite teniendo actuaciones muy bien logradas bordeando la perfección. Otra cosa que hay que tener en cuenta es la maximización de los recursos disponibles. Pulp Fiction parece realmente una superproducción, sin embargo cuando vi el macking of me enteré de que la película no había costado más de ocho millones de la moneda verde, lo que supone una película de presupuesto medio o bordea el bajo presupuesto. Ahora bien en chile esa cantidad de dinero ya la quisiéramos, pero bueno. Ahora sobre el estilo y la mano del director podría afirmar y creo no equivocarme que se reconoce en este director una forma de hacer cine. Es su conocida cinepatia y el hecho de que el es un cinéfilo lo que le permite tener ideas frescas y aparentemente novedosas. Ahora bien esta formula podría cuestionarse, pero así el accede y saca elementos de todas partes en una constante fusión reinterpretativa, lo que finalmente al fundirse termina en un posible estilo. Para terminar me gustaría destacar los diálogos y el cómo interactúan el boxeador y su pareja. En ellos se denota una visión de mujer independiente que sabe lo que quiere y que no titubea al pedirlo, reflejando una mujer más actual. Existe un diálogo en donde ella le pide explícitamente placer a su pareja, mostrándonos en esta situación una mujer que asume su sexualidad y que exige retribución para no sólo sentirse como un objeto sexual.

martes, 23 de junio de 2009

Rafael Guiñez 1962 - 2008 (Una Loca Viola)


Parecía estar cansado de sus recaidas de violencia, de sus cambios de fármacos, hospitales y cuartos. Por culpa del dopaje sus dedos ya no eran tan rápidos y si alguna vez fué conocido como Rafael Guiñez. Hombre ancla de bandas como Gnomo, Los Parkinson, L Yea y Los Trompos, en su barrio, en Providencia, donde se reunía con amigos, sólo le decían "El violinista".

Compartía pitos y cervezas con acompañantes de turno y solía interpretar alguna canción conocida para amenizar las veladas en las que trasnochaba y carretiaba hasta en algunas ocasiones hasta tres días. Hacía plata para la micro, para sus aventuras y ojalá encontrar unas minitas para contarle sus alucinantes historias.

Había estudiado en el conservatorio desde los cinco años y llegó a ser la primera viola de la orquesta sinfónica de Chile, aunque la vida, lo condujo al Rock. Sus últimos años triangulaba entre el Hogar de Cristo, el Psiquiátrico y una casa Okupa.

Este hombre de casi dos metros de altura y de ojos penetrantes ya no resistía proyectos duraderos, su esquízofrenia mal tratada le había mandado su vida al infierno. Su familia siempre lo quiso mantener lejos, pero siempre lo ayudaron económicamente, pero su trastorno bipolar hacía más estragos de lo previsto.

Tres años antes de su muerte habia recicibido 2 millones de pesos como herencia por parte de una tía, los que se farreó en putas y coca. Era adicto a todas las drogas posibles y sus amigos nunca lo ayudaron con ese tema.

A fines de 2007, año que pasó casi completo en el psiquiátrico y la clínica Victoria. Guiñez conoció a marienela, su último amor. Ella vivía cerca del recínto y el músico le pedia cigarrillos atraves de una ventana que daba a la calle. En ese intercambio de cigarros por miradas engancharon y Rafael dejó de lado esa frontalidad extrema, que alguna vez lo hizo encarar a Alfredo Castro para que le diera plata porque "el era artista".

Su último proyecto musical fueron Los Trompos, pero no duró mucho, puesto que Guiñez estaba de regreso en el hospital y sus crísis eran cada vez mas fuertes y violentas. Murió a fines de 2008 producto de una apendicítis mal tratada, la cuál deribó en peritonítis, puesto que el hospital tuvo la negligencia de darle sólo un calmante.

La noticia de su muerte apareció en algunos breves de diario, tenía 46 años y dejó una viola que lo echará de menos.

domingo, 21 de junio de 2009

LA MUERTE DE UN BURÓCRATA (Película)



Esta película comienza con la muerte de Francisco Pérez, un trabajador del proletariado bastante ejemplar y buen ciudadano (como se hizo notar constantemente en la película). Después de ser enterrado, su viuda realiza los trámites correspondientes para poder adquirir la pensión por la reciente muerte, entonces, es aquí donde nace el conflicto de la película propiamentetal. A este trabajador ejemplar lo han enterrado con el carnet laboral, el cual necesitan en la administración para poder otorgar aquel beneficio de pensión, y es cuando un sobrino se encarga de iniciar los trámites para desenterrarlo comenzando un enloquecido e interminable papeleo que lo llevan a transgredir la ley y alterar su pacífica y ordenada vida. Obviamente esto es una crítica al ineficiente y engorroso sistema de tramitación pública. Si bien la crítica está reforzada con elementos de caricatura y cierta exageración esta logra que el espectador rápidamente se identifique, se ponga en el lugar del personaje y se haga participe de la película. Creo que lo particular de esta historia es que hace que uno finalmente se ria de estas situaciones, siendo que en la vida cotidiana uno reacciona generalmente ignorando el enojo, entregándose definitivamente a los largos tiempos de esperas, las derivaciones de oficinas y atención al público y el tan odiado papeleo interminable. Volviendo al tema de la crítica me llamó profundamente la atención el que una película como esta haya sido filmada en Cuba, ya que se supone o “se dice” que cuba es un país en el cual no existen las libertades necesarias que garanticen la creación de una obra que critiquen el paradigma cubano.

Para entender más el contexto en el que fue creada esta historia hay que tener en cuenta que en cuba se acababa de vivir una transformación política y social importante durante la década de los sesenta. La victoria de la Revolución en 1959 supone también el triunfo de un nuevo impulso en las artes. El cine cubano se hace cargo de este cambio, ya que una transformación de esas características no puede ser obviada por este medio de expresión. Es así como surge un cine que exterioriza las preocupaciones mas intimas de los realizadores, que se vuelven para mirarse a si mismos y a la sociedad en la que están inmersos, creando a la vez un estilo particular. Me refiero a que el cine cubano tiene una identidad propia, que se distancia de las maneras de producción industriales de Hollywood.. Una de las formas es buscando una manera propia de hacer cine, instaurando mezclas de géneros y probando nuevas formas de narración. La cinematografía cubana busca su propio ritmo y mira desde su sociedad para construir memoria, haciendo que cada obra cinematográfica sea una ventana de la realidad, una especie de maquina del tiempo que nos muestre, cual si fuera un documental dentro de la ficción, los acontecimientos que ocurrían en su contemporaneidad.

El cine cubano de los sesenta es auto referente a cada instante, comparte la misma preocupación social que otras cinematografías latinoamericanas. Si vemos “La Muerte de Un Burócrata”, que es una comedia (de humor negro, a veces bastante negro) y vemos una película mexicana de Cantinflas, que también es comedia, vemos que en ambas, paralelamente al desarrollo de la historia, van mostrándonos imágenes de la situación social del país de origen, vale decir, las relaciones humanas entre los vecinos de una población, la rutina de las personas, el agobio, la pobreza y la manera en que la gente lucha por sobrevivir en esta pobreza. Creo que la gran diferencia es el cómo se resuelven las historias, por un lado Cantinflas recurre al clásico y predecible final feliz, mientras que el cine cubano se manifiesta con una visión más crítica.

Como conclusión puedo afirmar que el cine cubano es uno de los grandes referentes para la cinematografía latinoamericana, ya que sus películas además de influenciar muchas generaciones de cineastas, están más vivas que nunca, ya que sus temáticas están aun están vigentes… injusticia social, burocracia, pérdida de identidad, pobreza y desigualdad, etc.

martes, 16 de junio de 2009
















Erotísmo Atraves De La Lente

En 1920 nace en Berlín Helmut Newton, perteneció a una familia de orígen Judío. Justo cuando comienza la persecución contra los Judíos, abandonó Alemania para establecerse momentáneamente en Singapur, donde trabajó como fotógrafo de un diario, es ahí donde comienza su carrera fotografica.
Más tarde trabajaría en Paris para convertirse en fotógrafo de Vogue, Elle, entre otras. Pero de tanto viajar, fíja su residencia habitual en Paris, y es ahí comienza a tener reconocimiento mundial, convirtiendose en uno de los fotografos más exitosos.
Sus imágenes llenas de glamour, seducción, erotismo y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. El estílo tan particular de Newton habla por sí solo, aparte de ser aveces un referente de su personalidad, logran mezclar perfectamente un refinado jugueteo entre la lente y la escena fotografiada, comprometiendo sutíl, pero sugerentemente al espectador en una experiencia casi de erotismo surrealista.
Helmut Newton murió el 23 de Enero de 2004 en un accidente de tráfico en Los Angeles, C.A.

lunes, 15 de junio de 2009

El culo de una arquitecta... escrito por Pedro Mairal

No suelo concordar con el prójimo varón sobre cuál es el mejor culo. Noto un gusto general por el culito escuálido de las modelos flacas. A mí me gustan grandes, hospitalarios, macizos. Me gusta el culo balcón, que sobresale y se auto sustenta como un milagro de ingeniería. El culo bien latino, rappero, reggaetón, de doble pompaviva y prodigiosa. Me salen versos cuando hablo de culos. Quizá porque en los culos hay algo más antiguo y atávico que en las tetas, que en realidad son una intelectualización. Las tetas son renacentistas, pero el culo es primitivo, neanderthaliano. Con su poder de atracción inequívoca, su convergencia invitadora, es un hit prehistórico. Despierta nuestro costado más bestial: el del acoplamiento en cuatro patas. Las tetas son un invento más reciente, son prosaicas. El culo, en cambio, es lírico, musical, cadencioso, indiscernible del meneo de caderas, del ritmo, la batida de la bossa que retrata a la garota que se aleja en Ipanema. Porque el culo siempre se aleja, siempre se va yendo, invitando a que lo sigan. Se mueve en dirección contraria de las tetas que siempre vienen y por eso suelen ser alarmantes, amenazadoras, casi bélicas (me acuerdo de las tetas de Afrodita, la novia de Mazinger Z, que se disparaban como dos misiles). Las tetas confrontan, el culo huye, es elegía de sí mismo, se va yendo como la vida misma y deja tristes a los hombres pensando qué cosa más linda, más llena de gracia aquella morena que viene y que pasa con dulce balanceo camino del mar. Las mujeres argentinas tienen orto, las colombianas jopo, las brasileras bunda, las mexicanas bote, las peruanas tarro, las cubanas nevera o fambeco, las chilenas tienen poto. O mejor dicho, las chilenas no tienen poto, según mis amigos transandinos que se quejan de esa falta y quedan asombrados cuando viajan por Latinoamérica. Yo mismo casi me encadeno a la muralla del Baluarte de San Francisco en el último Hay Festival de Cartagena de Indias para no tener que volver y poder seguir admirando el desfile incesante de cartageneras o barranquilleras cuyos culos altaneros merecían no este breve artículo sino un tratado enciclopédico o un poemario como el Canto General. De las cosas que hacen las mujeres por su culo, la que más ternura me da es cuando lo acercan a la estufa para calentarlo. No lo pueden evitar. Pasan frente a una chimenea o un radiador y acercan el culo, lo empollan un rato. El culo es la parte más fría de una mujer. Siempre sorprende al tacto esa temperatura, el frescor del cachete en el primer encuentro con la mano. Durante el abrazo, se puede llegar a los cachetes de dos maneras. Una es desde arriba, si la mujer tiene puesto un pantalón, pero es dificultoso y lo ajustado de la tela impide la maniobra y la palmada vital. La otra forma es desde abajo y eso es lo mejor, cuando se alcanza el culo levantando de a poco el vestido, por los muslos, y de pronto se llega a esas órbitas gemelas, esa abundancia a manos llenas. En ese instante se siente que las manos no fueron hechas para ninguna otra cosa más que palpar esa felicidad, para sentir con todos los músculos del cuerpo la blanda gravitación, el peso exacto de la redondez terrestre. Se suele pensar que, en el sexo, la posición de perrito somete a la mujer. Pero hay que decir que abordar por detrás a una mujer de ancas poderosas puede ser todo lo contrario: es como acoplarse a una locomotora, como engancharse en la fuerza de la vida, hay que seguirla, no es fácil, uno queda subordinado a su energía, hay que trabajar, darle mucha bomba, carbón para la máquina. Es uno el que queda sometido a su gran expectativa, absorto, subyugado, vaciándose para siempre en la doble esfera viva de esa mantis religiosa. Una vez vi un hombre de unos 45 años dando vueltas al parque, corriendo tras su personal trainer. Lo curioso es que era una personal trainer, y las calzas azules de esta profesora de gimnasia evidenciaban que tenía un doctorado en glúteos. Como el burro tras la zanahoria, el hombre corría tras ella sin pensar en nada más que ese seguimiento personal. No me sorprendería que a la media hora hubiera un grupo de corredores trotando detrás, en caravana. La música de los culos es la del flautista de Hamelin. Los hombres, con su legión de ratones, van tras ella, hipnotizados. Las mujeres saben aprovechar sus recursos. Yo trabajé en una empresa en el mismo piso que una arquitecta narigona (esas narigonas sexys) y con un “tremendo fambeco”. Ella sabía que era su mejor ángulo y lo hacía valer, con unos pantalones ajustados que dejaban todo temblando. Era una de esas oficinas cuadradas, llenas de líneas rectas: el almanaque cuadriculado, la tabla rectangular del escritorio, la ventana, los estantes, las carpetas de archivos. Un lugar irrespirable de no ser por el culo de la arquitecta que a veces pasaba camino a tesorería o a la fotocopiadora. Su culo era lo único redondo en todo este edificio de oficinas. Lo único vivo yo creo. Nunca intenté nada (se decía que tenía un novio), pero en una época yo pensaba escribir una novela con los acoplamientos heroicos que imaginé con ella. Una novela que iba a titular, con un guiño a Greenaway, “El culo de una arquitecta”. No escribí ni dos líneas de esa novela, pero sí algunos poemas que ella nunca leyó. Me acuerdo que la veía antes de verla, la intuía en un ritmo particular que tenía el sonido de sus pasos, un peso, un roce de la cara interna de sus muslos de falsa mulata. Cuando aparecía en el rabillo de mi ojo, ya sabía plenamente que se trataba de ella. Y pasaba y todo se detenía un instante, el memo, el mail, la voz en el teléfono, todo se curvaba de pronto, no había más rectas, todo se ovalaba, se abombaba, y el corazón del oficinista medio quedaba bailando. No exagero. Además era plena crisis del 2002. Todo se derrumbaba, caían los ministros, los presidentes, caía la economía, la moneda, la bolsa, caía el gran telón pintado del primer mundo, caía la moral, el ingreso per cápita, todo caía, salvo el culo de la arquitecta que parecía subir y subir, cada vez más vivaracho, más mordible, más esférico, más encabritado en su oscilación por los corredores, pasando en un meneo vanidoso que parecía ir diciendo no, mirame pero no, seguime pero no, dedicame poemas pero no. Ojalá ella llegue a leer esto algún día y se entere del bien que me hizo durante esos dos años con solo ser parte de mi día laborable pasando con tanta gracia frente al mono de mi hormona. Y ojalá se entere también que, cuando me echaron ,lo único que lamenté fue dejar de verla desfilar por los pasillos respingando el durazno gigante de su culo soñado.

viernes, 12 de junio de 2009

Seru Giran - La Grasa de las Capitales


"La Grasa de las Capitales" es el segundo álbum de la banda argentina de Rock progresivo/jazz Seru Giran, editado en el año 1979, para este álbum la banda eligió una propuesta mucho más frontal. Eliminaron la orquesta, que no habia sido totalmente por el público y compusieron temas más simples y directos. Su portada obedece a una burla sátira a la revista Argentina "Gente".

Seru Giran es considerada como una de las mejores bandas de Rock Argentino, tanto a nivel musical, como conceptual y escenográfico.

En aquel entonces el país atravesaba una dictadura, eran tiempos muy difíciles en Argentina; y precisamente eso era lo que la banda quería representar en este disco, "La Grasa de las Capitales" es una radiografía a la sociedad Argentina de esa época. Toda esa mierda que la gente se tenía que comer y no podian decir nada, esas son las letras de las canciones que dan vida a este gran álbum. "Viernes 3 am." fué censurada durante un tiempo porque se la consideraba una cancion que incitaba al suicidio.

La genialidad del álbum hablan por sí solas, esa alineación galáctica de la banda; David Lebón, ya venía de hacer una gran carrera junto al flaco Spinetta en Pescado Rabioso, Oscar Moro también había demostrado ser, quizas, el mejor baterista y percusionista de la Argentina, tocando en muchos grupos, había tocado en el proyecto experimental La Máquina De Hacer Pájaros junto a Charly, Pedro Aznar, por ese entonces era solo un muchacho que saltó a la fama precisamente con Seru Giran, pero era una promesa musical indiscutible demostrando su gran técnica con su bajo fretless, fué un diamante en bruto que el gran Charly García supo explotar a la perfección en la corta, pero vertiginosa carrera de la banda.

Es por eso y muchas otras razones más que "La Grasa de las Capitales", es un disco el cuál se debe escuchar, pues es, una pieza fundamental del Rock.

martes, 9 de junio de 2009

Vive rápido, Muere jóven y Deja un Divertido Cadáver.
















La ironía más grande de todas es que James Dean rodó un anuncio sobre la conduccion temeraria por presiones de la National Safety Council, que obligaba a artistas famosos a decir en pantalla: "La vida que salves puede ser la tuya".





James rodó el anuncio con el vestuario que usó la película "Gigante" y cambió la frase a: "Tomatelo con calma en la carretera, la vida que salves puede ser la mía". Dos semanas más tarde, estaba muerto, en la intersección de Cholame, autopista norte de California, en su Porsche Spyder 550, al cuál habia bautizado como "Pequeño bastardo", cerca de Salinas, lugar que se dirigía para una carrera de autos.





Pero las inquietudes sobre porqué la muerte se comporta en forma tan caprichosa y decíde llevarse a personajes de distintos ámbitos artísticos, tanto como el Rock, el Cine u otras áreas; siempre me ha causado un gran vacío que he tratado de llenar con respuestas que casi nunca son contestadas. Pero la incógnita es porqué suelen ser siempre tan jóvenes y resultan ser, en su mayoría, genios en su campo, o es que, los medios y las narraciones que se van constryendo atraves de los años por las personas, los engrandece aun más?, elevandolos a la categoría de mártires o héroes.





Son muchos los artistas que ya han dejado este mundo a causa de diferentes muertes, tanto como por accidentes de tránsito, sobredosis, suicidios, muertes inconclúsas y tambien en algunos casos, asesinados. Dejando palpable en el ambiente esa sensación de que absolutamente dejaron muchas tareas a medias. ¿Que hubiera sido del Rock si Jimy Hendrix estuviera vivo? o ¿En que forma se habrían modificado las artes marciales, si Bruce Lee viviera? o ¿Que intervensión a nivel de complejidad musical hubiese tenido en Metallica si Cliff Burton no hubiese muerto en ese accidente de bus?.





Son preguntas que lo único que hacen son tratar de anestesiar la realidad y soñar un poco con el anhelo de que todas esas personas que produjeron y segurán generando por siempre admiración por sus inquestionables y aveces, extraterrenales talentos o simplemente por sus novedosas y reflesivas ideologías. Quizas, esa era su finalidad en este mundo, venir explícitamente a compartir un poco de lo suyo y partir, porque después de todo, todos esos logros le pertenecen tanto a ellos como al resto de la humanidad.










- Shannon Hoon, muerto a los 25 años.





-Layne Staley, muerto a los 35 años.










-Bruce Lee, muerto a los 32 años.





- Cliff Burton, muerto a los 24 años.





- Kurt Cobain, muerto a los 27 años.





- Janis Joplin, muerta a los 27 años.





- Jimy Hendrix, muerto a los 27 años.





- James Dean, muerto a los 24 años.





- Brian Jones, muerto a los 27 años.





- Jaco Pastorius, muerto a los 35 años.





- Sharon Tate, muerta a los 26 años.





- Luca Prodan, muerto a los 34 años.





- Jim Morrison, muerto a los 27 años.





- Bon Scott, muerto a los 33 años.





- Rhandy Roads, muerto a los 25 años.










lunes, 8 de junio de 2009

El Cierra Nunca.

Desde que tengo memoria siempre ha estado en mi mente el nombre de un conocido boliche de la cidad de Arica, Chile. Yo soy Ariqueño porsupuesto, y es quizas por esa razón que quiera rendirle un homenaje al conocidísimo kiosco "El cierra nunca" o "Nunca cierra". Su nombre se debe a que propiamente tal, el negocio está abierto al público las 24 hrs. del día. Yo por mi parte, jamás había conocído un local comercial que estuviera todo el tiempo funcionando sin parar.
Una de las razónes clave es que "El cierra nunca" es atendido por sus propios dueños, son todos familiares y se turnan diviviendo las horas de trabajo entre cuatro hermanos. Teniendo en consideración que es un negocio el cuál esta vendiendo todo el tiempo las ganancias son millonarias para un boliche de su clase, el gordo Carlos me dice enfáticamente que su negocio les renta en un día normal la no despreciable suma de $ 3.000.000. El cual vende tipo almacén; desde un par de calsetas marca Nike, hasta una salteña bien caliente servida a las cinco de la mañana de un Sabado cualquiera.
Los hermanos Delapuente son los dueños y los mismos que atienden el conocido negocio que data desde 1984, año en que el padre de familia, don Humberto Delapuente comenzara con una idea muy turística, que por ese entonces aún no se había explotado, tener un boliche justo al frente del imponente morro de Arica. En la década del ochenta era muy común que sagradamente todos los Domíngos del mes hubieran desfíles de todo tipo, militares, colegios, las señoras de Conapran, la junta de vecinos, etc. todo esto se llevaba a cabo en la clásica "Pérgola de las banderas", sector el cual se poblaba de personas, se calcula que cada Domingo asistian unas 7.000 personas, y sobre todo, con niños pequeños, quienes, según estos hermanos, eran los que más consumían logrando que sus padres no le negaran un generoso helado, o una refrescante bebida de fantasía.
Asi pues, en "El cierra nunca", es muy común ver a un grupo de borrachos tomandose unas buenas cervezas en la noche, o divisar a un grupo de oficiales de la Marina, degustando un buen trozo de pizza o lasagna a la hora de almuerzo. Es un negocio que puede vender de todo lo que el cliente desee y a la hora que quiera, como díce uno de sus dueños: "Que mejor para un turista que comerse una buena marraqueta con palta-perníl y una buena pilsoca, teniendo en frente esta maravilla de la naturaleza!", díce esto con sus ojos llenos de lágrimas el gordo Carlos, refiriendose al morro.

El nunca cierra o cierra nunca






domingo, 7 de junio de 2009

Cine CyberPunk de Japón...









El Cyberpunk japonés es una explosión de estímulos descontrolada en un viaje único letal e inolvidable. Un asalto sensorial violento que arbitrariamente te involucra y sumerge en otra realidad. El tiempo en que estas atrapado viendo la película te sumerges en pesimistas mundos posibles y en historias que llevan al extremo la condición humana.


¿Pero qué es el cyberpunk japonés extremista?


Es un subgénero underground que nace en Japón a principios de los 80. Se caracteriza por tener elementos de extrema violencia, (tortura, episodios sexuales bizarros, cuerpos invadidos por extrañas modificaciones, la fusión de la vida la muerte y los materiales,) además de poseer una visión pesimista del futuro cercano en un mundo post industrializado.


A diferencia del género de donde proviene, este es crudo y experimental. Las imágenes se suceden en un montaje de ritmos parecidos al del video clip, impregnado vértigo y nuevas asociaciones que re-significan la imagen anterior. El mensaje de la película no se entiende necesariamente siguiendo la narrativa clásica, ya que más valor tienen las imágenes y los símbolos y es a través de su significación donde reside la importancia real de la película.


El valor de estas obras radica básicamente en su poderío audiovisual y en su forma original para narrar. El estilo audiovisual se determina por la experimentación y la mezclas de diferentes métodos para la elaboración de imágenes. La banda sonora y la música se genera utilizando sonido generalmente “sampleados” de los escenarios creando así atmósferas únicas que fácilmente te trasportan al mundo propuesto por el autor.

Las producciones son generalmente de bajo presupuesto y de carácter “guerrilla” (cine ejecutado sin permisos, filma y corre), por lo que la mayoría de las veces los escenarios son reales. Ahora hay que mencionar que la elección de las locaciones es brillante – mención aparte el como mágicamente son fotografiadas- siendo esto lo que permite re-significar una fabrica abandonada en algo que va más allá. Es así como un viejo cable telefónico se puede fusionar con metal y otros elementos y convertirse en otra cosa, dando vida a formas no vistas antes y otorgándole una nueva oportunidad de ser a lo que fue creado para algo especifico. Existe también la reutilización de lo desechado. Reciclaje y reasignación sirven de base para insertar a personajes normales en un proceso de metamorfosis, hombre maquina, hombre monstruo. Esto apoyado a veces con secuencias que no parecen tener relación alguna con la trama, dotando al film de nuevas lecturas y exquisitas distracciones.


Otro aspecto interesante son las actuaciones. Casi me atrevería a decir, que tiene una marcado carácter expresionista, al borde de la sobre actuación, sin embargo tiene esa extraña particularidad que siendo más que intensas, son creíbles. El “gore” forma parte de estas películas, sin ser un elemento fundamental. Me parece que son más los efectos y las torturas físicas o sicológicas lo que entrega a estos films la etiqueta de fuertes. La sociedad fría e individualista, sumida en un caos de trabajo y desorden, terminan por ser un claro aviso hacia donde vamos. Proféticas o no, creo que es un genero delirante y netamente estimulante de los sentidos… la mente vuela, a veces caes en la idea fija de querer entender más allá de lo que se puede… este bombardeo de imágenes y sonidos es para disfrutar…si quieres o pretendes entender, siempre hay una tercera ver para visionar la película.


Películas que debes ver:


· Tetsuo: The Iron Man (1989)

· 964 Pinocchio (1991)

· Tetsuo II: Body Hammer (1992)

· Rubber's Lover (1996)


Otras recomendadas:


· Death Powder

· Electric Dragon 80,000V

· Guinea Pig: Android of Notre Dame

· Hellevator: The Bottled Fools

· I.K.U.

· Save the Green Planet



Nestor Kirchner, Protagonista De Film Que Lo Iguala a Perón.


Son 45 minutos de actuación. Empieza con imágenes de Juan y Eva Perón entre una multitud que los aclama, y se escucha de fondo la voz inconfundible, pero con tono calmo de Nestor Kirchner " Los Peronistas no somos neoliberales, queremos que el estado tenga un rol promotor y que acompañe a los mas débiles". De pronto, una placa con fondo negro y letras blancas anuncia : "Sentimiento y movilización".

Asi se llama el documental que realizó equipos de difusión. Una histórica agencia de publicidad Argentina.


El film forma parte de la estrategia publicitaria del gobierno para estas elecciones legislativas. "Es un relato de nosotros mismos", dijo uno de los hombres que estuvo detras del proyecto.

En medio de críticas por uso de bienes del estado para hacer proselitismo.


sábado, 6 de junio de 2009



Asesinos Al Volante

Disculpen que las imagenes sean un poco fuertes y que en algun punto pudiesen herir la sensibilidad de algunas personas, por lo Gore, pero esque lamentablemente no hayo la forma de tratar de explicar lo peligroso que resulta ser hoy en día un conductor de un automovil comun y corriente o simplemente un peatón. La cupla es de tanto los peatones y los conductores, claro está. Pero en esta nota me quiero referir a esas personas que se al momento de subirse a un vehiculo se deshubican, pierden la noción de lo significa conducir y concurren en faltas graves de tránsito, muchas veces, en homicidios.
Porque no es posible que la gente se muera en la calle producto de un atropellamiento, y que más encima, la justicia determine dejar en libertad a los imbéciles que tienen complejo de Racings. Claro está que en Chile no tenemos cultura de conducir, no es posible que un simple instrumento que sirve exclusivamente para transportarse de algún lugar a otro se convierta en el verdugo de inocentes, y cuando un desadaptado toma el volante y se desplaza en una tonelada de fierro a 180 kms. sin duda que estamos frente a un delincuente. Quien maneja como un asesino, debe ser tratado como tal.

Prueba de filtros

Prueba de filtros para un futuro proyecto... Sobre mi actuación...mmm pues es difícil saber que hacer frente a una cámara...

Prueba de filtros en Wmv 8 Mmps from Wenceslao Miranda Cruz on Vimeo.

Algunas fotos de Arica



Añadir vídeo



viernes, 5 de junio de 2009

"Rolly Sandwich"

Sí, así es. Mis ojos tienen más apetito y necesidad de comer lo que miran, que mi pobre estomago y compañía que reciben dicha sobrecarga de comida. El tema del tamaño estimulo, gula y deseo, se presenta fuerte en periodos de hambre ya sean inducidos por la necesidad o producto de alguna farra. Sea como sea, creo que es casi imposible resistirse a la tentación de comer en exceso. Es por eso que hay ciertos lugares que a precios convenientes te dan la certeza de quedar satisfecho y disfrutar de un buen sabor.

Un ejemplo de lo anteriormente mencionado son los populares completos Rolly’s… Una muestra maestra de calidad y cantidad yuxtapuestas en una excepcional mixtura en un tamaño adecuado, para aquellos que tenemos los ojos disparados de la realidad.